La vida es obra: una entrevista con Misty Copeland

Desde su primera clase de ballet, a los 13 años, Copeland se propuso ser bailarina profesional. Cuando era una chica negra que entraba en una disciplina dominada por artistas blancos y apreciada sobre todo por el público blanco, sabía que las probabilidades estaban en su contra. Pero siguió adelante, se unió al American Ballet Theatre y en 2015 se convirtió en su primera bailarina principal negra. Ha abierto caminos en papeles, desde Clara hasta Julieta, ha publicado varios libros, ha promovido una mayor diversidad en las artes y está creando una fundación caritativa.

Clase magistral

HBR: ¿Por qué eligió el ballet como profesión?

Copeland: Me encanta el sentido de la estructura que me dio a temprana edad, lo que me ha ayudado a afrontar los giros y vueltas de mi vida y mi carrera, como bailarín, escritor, activista y en mi productora. Sí, me encanta actuar y estar en el escenario, pero el ballet también me hizo sentir que formaba parte de algo más grande que yo y me dio una salida y un escape de las circunstancias en las que crecí. La disciplina, el rigor, el sacrificio son cosas hermosas que los niños en particular deberían experimentar, no necesariamente para convertirse en profesionales sino para desarrollarse como personas. Por supuesto, hay muchas cosas de la cultura del ballet que creo que hay que volver a evaluar. Pero el ballet me dio muchas herramientas para ser líder en mi comunidad. En el centro de esta forma de arte centenaria hay una técnica y una estructura que crean ese tipo de personas.

Venía de un hogar que a veces era económicamente inestable. También era una chica negra que intentaba entrar en un campo muy blanco. ¿Cuándo se dio cuenta de que podía superar esos desafíos y convertirse en bailarina profesional?

Porque empecé a los 13 años, que es muy tarde, fue inmediato. Ese era el plan. Mi profesora, Cynthia Bradley, me dio una oportunidad con la intención de formarme para convertirme en profesional. Su actitud era: Tiene el potencial y voy a invertir en usted porque creo que puede hacer del ballet una carrera. Así que la primera semana de mi primera clase, en una cancha de baloncesto del Boys & Girls Club, quería ir a bailar en el American Ballet Theatre. Ese era mi objetivo y en cuatro años estaba en Nueva York actuando en el escenario del Lincoln Center.

Eso es mucha presión para un niño de 13 años, sobre todo cuando baila con niños que empezaron a los tres años. ¿Cómo se las arregló?

Nunca lo vi como presión, creo que porque fui muy ingenuo con respecto al mundo del ballet. Mi familia también lo estaba. Todos éramos nuevos en esto. Pero cuando me presentaron, pensé: No hay manera de que pueda seguir sin tener esto en mi vida. Estaba tan inmerso en ello a diario y estaba ganando cosas a las que no había tenido acceso antes, como estabilidad y una liberación para cosas que no podía comunicar. Me permitió florecer y crecer, con la sensación de que era buena en algo por primera vez. Fue divertido, nunca una tarea abrumadora. Creo que tenía 14 años la primera vez que vi a ABT actuar en directo en Los Ángeles, y fue simplemente Vale, ya está. Ese es mi futuro. Estaba tan enamorada que se convirtió en algo que sentía que tenía que hacer.

Su ascenso fue muy rápido. Pero hubo reveses: su cuerpo cambió al final de la adolescencia, lesiones tempranas. ¿Cómo lo logró?

Fue extremadamente difícil. Mi camino fue, por supuesto, único, pero es común que a los jóvenes atletas y artistas los llamen prodigios y luego que la realidad de su evolución no esté a la altura de las expectativas. En el mundo del ballet podemos entrar en la esfera profesional entre los 16 y los 19 años, y nuestros cuerpos siguen cambiando y aún estamos aprendiendo quiénes queremos ser. Así que necesitamos una estructura de apoyo mejor. Los mentores me ayudaron a sobrevivir. Hay muchos bailarines que no superan (o no pueden) superar ese obstáculo porque no tienen gente que los guíe. Tuve mucha suerte de tener gente que quería estar ahí para mí.

¿Cómo encontró a esos mentores?

Mi primera profesora de ballet, Cynthia Bradley, y Elizabeth Cantine, la profesora de escuela pública que me presentó a Cindy, se quedaron de mi lado. Pero luego, cuando me mudé a Nueva York, tuve unas increíbles mujeres negras que llegaron a mi vida como ángeles. Eso es algo innato en la cultura negra: cuando tan pocos de nosotros estamos en ciertos espacios y las oportunidades son limitadas, quiere estar ahí como apoyo. Victoria Rowell fue una de las primeras. Era actriz, pero antes fue bailarina clásica en la compañía junior de ABT. Ella no tuvo la oportunidad que yo tuve, así que se aventuró en otra forma de arte. Pero ella entendió ese camino como mujer negra y se puso en contacto conmigo: Cuando ABT actuó en Los Ángeles, me dejó una nota en el tablón de anuncios de la puerta del escenario. Me invitó a su casa y me habló como un humano: «He estado allí». Eso me abrió las puertas a entender que había muchas otras con las que conectar, que, a pesar de que fui la única mujer negra en ABT durante la primera década de mi carrera, no debería sentirme sola. Después conocí a Susan Fales-Hill, directora de la junta de ABT. Quería estar ahí para mantener mi cabeza metida en el juego de una manera sana. Y me han seguido muchos otros.

Aun así, me imagino que debe haber sido duro ser «el único» durante tanto tiempo. ¿Cómo afrontó eso y el peso de tener que servir de modelo a seguir?

Sí, durante esos 10 años, hubo microagresiones, a veces a diario y muchas veces casi dejé de fumar. Sin embargo, una de mis gracias salvadoras fue mi habilidad para dar un paso atrás y observar y aprender, especialmente de los hombres negros que iban y venían por la ABT. He visto cómo respondían cuando no tenían oportunidades, cómo interactuaban con sus homólogos blancos y cómo les iba en sus carreras. Aprendí a navegar y a plantear problemas con el personal artístico y a que me escucharan y aceptaran sin ser demasiado agresivos, que es la etiqueta que nos ponen. No querrá entrar ahí enfadado o molesto, porque entonces es la «mujer negra enfadada». No querrá llorar, porque lo verán débil o demasiado emocional. Aun así, fui muy directo y claro con lo que estaba pasando y nunca oculté el hecho de que estas cosas estaban relacionadas con mi raza. A medida que mis increíbles mentores llegaron a mi vida, aprendí formas aún mejores de mantener esas conversaciones e impulsar a la empresa a hacer más. La presión para representar a los demás llegó más tarde, cuando tuve más exposición y fui bailarín principal.

¿Qué se necesitó para llegar a ese papel de bailarín principal, esencialmente el mejor de su campo?

Paciencia, coherencia, permitirme ser lo suficientemente abierto y vulnerable como para seguir aprendiendo y creciendo, y mantenerme fuerte cuando se me ponían obstáculos, por ejemplo, cuando ciertos papeles en los que claramente debería haber sido elegido fueron para otros. Era creer que mi camino nunca fue en línea recta ni como el de nadie más. No me permití ponerme de pie y pensar: Vaya, soy demasiado mayor para que me ascendan en este momento. No hay ninguna posibilidad. En cambio, era, Bueno, he hecho todas esas otras cosas según mi propio cronograma, así que voy a seguir esforzándome y esforzándome para llegar a donde quiero. También fue que Alexei Ratmansky entrara como coreógrafo de ABT, viera mi potencial y me diera el papel principal en su versión de Pájaro de fuego—no solo siguiendo las directrices que siguen todas las empresas y pensando, No se ajusta al molde. El público que acudió a eso porque era negro y joven era diferente al que el mundo del ballet había visto antes, y cambió la perspectiva de lo que podía hacer por la compañía.

A medida que sigue abogando por una mayor diversidad en la ABT y en el ballet en general, ¿cree que está progresando?

Con el movimiento Black Lives Matter y la pandemia, el mundo del arte ha tenido tiempo de dar un paso atrás y volver a evaluarlo. Llevo 20 años manteniendo estas conversaciones y solo en los dos últimos he visto a la gente escuchar de verdad. Antes, marcaba casillas, tipo «Pongamos la cara de Misty en esta iniciativa de diversidad». Ahora las discusiones son más honestas y vienen de un verdadero deseo de generar un cambio. Comprendo que se trata de un proceso lento. Es responsabilidad de todos seguir adelante.

¿Ahora tiene un poco menos de cuidado con la forma en que navega?

Sí, ¡desde hace un tiempo! Tengo mucha suerte de tener una plataforma, ese tipo de fuerza detrás de mí, para hablar abierta y honestamente. Soy un gran partidario del ballet clásico y quiero abordar las cosas que tienen que cambiar y llevarlo a las comunidades subrepresentadas y desatendidas. La verdadera belleza ahora es que otros bailarines negros tal vez se sientan más empoderados para hablar de sus experiencias y no se preocupen de que los reprendan o castiguen por ello.

¿Cómo ha evolucionado su enfoque de la obra a medida que envejecía?

Bueno, cuanto más envejece, menos puede depender físicamente de su cuerpo. Y como artista, tiene diferentes prioridades en lo que quiere centrarse. Me recuerdo constantemente que el objetivo final del ballet, como en cualquier forma de arte, es contar una historia. Eso es lo que mantendrá a la gente comprometida. Para mí, se ha centrado en abordar a los personajes y hacer que se sientan lo más humanos posible para que alguien que nunca haya ido a una clase de ballet pueda entrar y entender lo que dice.

Mencionó que también es escritor. Está trabajando en su fundación. Hace muchos trabajos de promoción. ¿Cómo equilibra su tiempo?

Tengo un gran entrenador y solo se trata de priorizar. Mi formación de ballet siempre ha sido la número uno y está en el primer plano de todas las conversaciones que mantengo antes de iniciar cualquier colaboración o asociación. Todo va a ayudar a lo siguiente. Tengo la suerte de tener la oportunidad de hacerlo todo.

¿Piensa alguna vez en la jubilación y en la próxima etapa de la vida?

Absolutamente. Sé por experiencia propia que la rotación en una empresa es importante. Tiene que dar a la próxima generación la oportunidad de aprender de usted, pero también tiene que darles oportunidades. ABT pasó por un momento muy difícil cuando un par de grupos de bailarines perdieron la oportunidad porque no había movimiento real en la cima. Así que eso siempre está en el fondo de mi mente. Durante la pandemia tuve una idea de no viajar ni actuar, de cómo sería la vida sin estar predominantemente en el escenario. Me permitió centrarme realmente en otras cosas en las que antes no podía dedicarme por completo y pensar en seguir adelante de una manera que me permitiera seguir creciendo y sentirme realizado.

Pero apuesto a que tenía muchas ganas de volver a ese escenario. No podría jubilarse durante una pandemia.

Seguro que me quedan unos cuantos años más, al menos en ABT, y espero seguir haciendo otras cosas paralelas.

¿Qué consejo da a los bailarines emergentes de los que es mentora ahora?

Solo les recuerdo que no se trata de los vídeos que publica ni de los apoyos que recibe en las redes sociales. Se trata del trabajo que está realizando. No hay manera de subir al escenario y ser el bailarín y el artista que quiere ser si no está preparado, concentrado y con los pies en la tierra.